14 septembre, 2018

Sur l'identitarisme


Les questions relatives à l’identité ont, depuis longtemps, été engendrées par les diverses sociétés, dont elles manifestent les divisions, les fractures, les conflits, les clivages qui, selon les lieux et les époques, y surgissent immanquablement. Elles accompagnent les luttes politiques, de même qu’elles participent à la vie culturelle d’une société jusqu’à contaminer les arts et les lettres, un domaine par essence voué à l’expression subjective.  

Mais qu’est-ce que l’identité? Autour de ce thème, il convient de distinguer cette « quête d’identité » de la part d’un individu qui évalue les changements que le temps et les circonstances ont apportés à son existence, et que résume bien la question classique : « Qui suis-je? » Question dangereuse, car elle s’ouvre sur le néant d’une réponse possible : « Je ne suis personne! ».

Non, la question identitaire est d’un autre ordre : « J’appartiens à qui ou à quoi ? » L’individu est sommé d’inventorier ce par quoi il est assujetti. On peut regrouper de telles conditions d’assujettissement sous quatre grandes thématiques:

- l’ethnicité, la « race », la langue primordiale, les traditions, le lien à une terre, une patrie, une nation
- le sexe, le genre, la sexualité, 
- une classe sociale, un métier ou profession, les rapports d’accès à des ressources matérielles, les niveaux d’instruction et de culture
- les religions, les idéologies, les modes de pensée, styles de vie

En vérité, pour chaque individu s’enchevêtrent ces vecteurs d’un sentiment d’appartenir à quelque chose qui à la fois le façonne, mais le dépasse. Ces identités ne sont pas toutes d’égale force chez l’individu : certaines sont primordiales, d’autres contingentes. Devant les conditionnements et facteurs d’assujettissement, les réactions varient: nombreux sont ceux qui acquiescent, le plus souvent sans y réfléchir, à tout ce qui dès sa naissance les surplombe et qui ne cessera de les accompagner leur existence durant. Ce qui ne laisse qu’une faible marge à l’autodétermination devant sa condition socio-biologique, ou au regard de traditions religieuses ou culturelles. D’autres se rebiffent devant cet acquiescement, décrié comme trahison de soi-même. Avec leurs combinaisons innombrables chez l’individu, les identités ressemblent au cube de Rubik. 

Loin d’une métaphysique de la « vie », d’où la raison d’être d’un individu est d’assurer la transmission du génome comme d’assurer la pérennité des traditions, la vie ne se réalise que par le déploient à chaque instant de chaque spécimen de l’espèce, autrement dit, des individus. De fait, il n’y a que des individus. L’égarement et les pèlerinages par les sentiers d’une identité collective se ramènent toujours en fin de compte à la vieille question :
 « Qui suis-je? »



01 août, 2018

Enlever ses œillères



 Tandis que nous assistons à la fin d’un monde
 et que peut-être, que sans doute, plus rien
 de ce qui nous passionnait hier ne paraîtra plus d’aucun
 intérêt à ceux qui viennent, à cette nouvelle société
 qui s’ébauche clandestinement, bien que sous nos yeux.
André Gide
Lettre à J.-E. Blanche, 12 juillet 1932



Le passage par les archives, poussiéreuses ou non, nous offre à l’occasion une perspective nouvelle sur l’actualité qui se déroule sous notre nez. En voici un exemple : l’autre soir, couché, entendant les premiers signes d’une promesse de sommeil, j’écoutais une émission en podcast que j’apprécie beaucoup. France Culture la nuit, qui repasse des épisodes d’émission du passé, allant parfois jusqu’à l’après-guerre des pénuries et de la reconstruction. L’invité d’une émission de 1975 était le réputé philosophe politique Raymond Aron. Pendant une demi-heure, l’entrevue tournait autour de la préoccupation d’alors : le totalitarisme vieillissant de l’Union soviétique et des espoirs d’Aron de voir les « dissidents » y favoriser un changement vers la liberté. Aron mettait aussi en garde les socialistes français contre l’alliance avec les communistes et les implorait de rester fidèles à l’ordre libéral européen garante de paix et prospérité. 

Qu’une telle sommité intellectuelle n’ait pu prévoir le futur, notre monde actuel, ne devrait pas nous surprendre. Qui, de nos jours, peut prétendre prédire la vie en 2060, soit la même distance en années qu’entre 1975 et 2018. Pourtant, on s’attend à ce que les spécialistes comme lui aient à l’esprit le déroulement prévisible du cours des évènements. Nous pouvons à tout le moins prévoir les soubresauts des changements climatiques.

Or, depuis cette interview, l’URSS n’existe plus, la Russie, dirigée par un ancien agent de la police secrète, et les autres nations de l’ancien empire soviétiques entretiennent avec la Russie le plus souvent des relations hostiles. 1975: rien sur le climat, ni sur l’Islam, ni sur la Chine, aucune mention des innovations technologiques, ni sur des changements de moeurs qui ont conduit, entre autres, au mariage légal entre personnes du même sexe.

Je veux souligner ceci: Aron et ceux de sa génération restaient prisonniers d’un horizon particulier, mais qui déjà commençait à disparaître sinon de la vue, du moins dans la réalité. Leur monde était celui des conflits titanesques entre les états fascistes et la coalition antifasciste, y compris le régime totalitaire de Staline. Et, après la défaite des régimes fascistes, la posture, pour ou contre, à manifester devant cette « tentation totalitaire », tel fut le titre d’un succès de libraire de l’époque, d’une bonne parie de la jeunesse du monde occidental. 

En clair, voici la leçon à retenir : s’il nous est difficile, sinon impossible, de prévoir le cours des évènements, toujours soumis à un déroulement hasardeux, nous pouvons, nous devons, par contre tâcher d’enlever ces œillères héritées de notre passé comme celles que moment présent nous procure, et qui nous empêchent de  regarder avec sévérité l’état invariablement mauvais de notre condition actuelle.


04 juillet, 2018

Recul de la culture


Montréal, été 2018. En plein festival, sur une scène de théâtre, un spectacle. Dehors, dans la rue, une poignée de manifestants s’époumonent à lancer des slogans coup de tonnerre. Succès médiatique de l’anti-spectacle; gestion de crise pour le spectacle. Cet affrontement, relayé par les médias qui nous régissent, ne représentent qu’un symptôme de plus du recul de la culture. 

Ma soixante-dixième année amorcée, le moment semble propice pour jeter autour de moi un regard panoramique. Hélas!, le spectacle du Monde n’est guère encourageant. Certes, il y a eu au siècle dernier des époques plus sombres encore, voire terrifiantes. Mais au moins perdurait alors le partage admis entre la culture et l’anti-culture. Et dans l’univers de la culture prospérait malgré tout une culture commune, dont les oeuvres littéraires, philosophiques, musicales et plastiques, au-delà des polémiques qui se faisaient jour autour d’elles, donnaient forme et consistance à cette culture commune. 

Tout ce « patrimoine »  de nos jours est décrié, balayé, trituré, édulcoré, oublié. Paradoxe suprême : à l’heure de la diffusion universelle et de la communication instantanée, la culture, tant du côté des arts que de nos manières de vivre, est divisée, segmentée, fragmentée, sectionnée, cantonnée, dans un gigantesque chacun pour soi, d’où les passerelles se raréfient.

Les grands mouvements sociaux surgis au cours des années soixante et soixante-dix furent, je crois, le dernier grand moment d’une offensive sur la ligne du front séparant la culture et l’anti-culture, et cela au profit d’un élargissement de la culture commune pour y faire place aux arts et aux manières de vivre de territoires périphériques et de populations jusqu’alors marginalisées. Mais voilà déjà quelque temps que ces mouvements ont disparu. Le souvenir d’un magnifique halo crépusculaire de leur déclin a longtemps pu faire croire à leur survivance. Pourtant, on peut observer à l’oeil nu les traces laissées par leur passage et repérer comment ceux-ci ont modifié nos sociétés et nos cultures au cours des décennies suivantes et jusqu’à nos jours. Depuis longtemps convertis en mythes, ces grands mouvements sociaux disparus font toujours sentir leurs effets et avivent notre tristesse d’une perte et notre angoisse d’un monde naissant autrement plus dur et incertain.

25 avril, 2018

Le prix de la démesure


« NAPOLÉON ART ET VIE DE 
COUR AU PALAIS IMPÉRIAL »
 Musée des beaux-arts de Montréal
présentée du 3 février au 10 mai 201





François-Pascal-Simon Gérard (1770–1837), Portrait de Napoléon en grand habillement, 1805, huile sur toile. Château de Fontainebleau, musée Napoléon Ier. Photo © RMN-Grand Palais / Art Resource, NY / Gérard Blot.



Dès son arrivée dans l’élégant pavillon du Musée des beaux-arts de Montréal, inauguré en 1912, le spectateur est prié de gravir, sur un long tapis rouge, les marches d’un escalier majestueux le conduisant à l’exposition. Le hasard m’a favorisé le jour de ma visite : pendant mon ascension, sans aucun autre visiteur, ni devant ni derrière pour me distraire de l’émotion, l’œil fixé sur l’imposant insigne  « N » sur un panneau en haut des marches, que je montais cérémonieusement comme pour accéder à un panthéon dédié à la gloire d’un « grand homme ». 

L’étage atteint, l’émotion « esthétique » ressentie fut troublée par un malaise « moral » : tout ce que j’ai pu connaître sur Bonaparte et son régime au cours de ma vie, ce que j’ai lu, entendu ou vu, comme les sombres gravures « Los Desastres de la guerra » de Goya, tout remontait à la surface de la conscience. Et le bilan s’avère franchement négatif. L’énergie me manque pour décrire plus en détail le régime despotique constitué par Bonaparte, qualifié par certains commentateurs de « protototalitaire » : une concentration du pouvoir poussée à l’extrême, l’élimination effective d’une vie politique comme contre-pouvoir bénéfique, l’emprise de la censure sur la presse et l’édition, le rétablissement de l’esclavage dans les colonies, la militarisation de la France, les guerres et conquêtes, les exactions multiples au cours des campagnes militaires, son alliance opportuniste avec l’Église, la trahison du legs progressiste de la Révolution, etc.

N’était-il pas néanmoins un « grand homme » ? Je me refuse d’employer cette expression fort désuète à nos oreilles, et qui exhale un parfum passablement éventé du dix-neuvième siècle. Notre époque ne conçoit plus que le regard porté sur autrui puisse atteindre l’individu dans l’intimité de son être, mais seulement l’effort de s’en faire une idée par l’examen rigoureux de ses faits et gestes. Par contre, qui oserait prétendre que Napoléon Bonaparte ne fût point un important personnage de l’Histoire, pas seulement française ou européenne, mais mondiale?

Aucune envie, par ailleurs, chez moi d’inventorier en détail les portraits et dessins, artefacts et objets religieux, vaisselles et ustensiles, mobilier et tentures, costumes et tissus, de tous ces objets qui donnent aux salles du musée les airs d’un palais, là où les happy few du régime jouissaient d’une belle et agréable vie.

Ma première impression de l’exposition restait donc assez décevante. Je n’y voyais qu’un tribut de plus payé à la légende de cet « Usurpateur », comme les tenants de l’Ancien Régime apostrophaient Bonaparte. Au-delà d’une superbe scénographie, marque de commerce du Musée des beaux-arts de Montréal, je croyais que rien de ce qui s’y trouve ne m’apporte des éléments d’une connaissance accrue de cette époque troublée.

Au moment où je m’apprêtais à quitter le musée, je m’obligeais par acquit de conscience à effectuer un autre tour de l’exposition.



Hyacinthe Rigaud (1659 – 1743) Modello pour le Portrait de Louis XIV en grand costume royal, 1701, huile sur toile 55,7 x 46 cm Achat, dons de W. Bruce C. Bailey en l’honneur de Hilliard T. Goldfarb, et de Dan et André Mayer, fonds de l'Association des bénévoles du Musée des beaux-arts de Montréal, fonds de la Campagne du Musée 1988-1993, et les legs Serge Desroches, Hermina Thau, David R. Morrice, Mary Eccles, Jean Agnes Reid Fleming, Geraldine C. Chisholm, Margaret A. Reid, F. Eleanore Morrice, Harold Lawson, Marjorie Caverhill, Harry W. Thorpe et Mona Prentice, inv. 2017.51




Et là, je vis ce qui m’avait auparavant échappé, un véritable coup de génie des commissaires : dans la première salle y dominait un grand portrait en pied de l’empereur. Immédiatement à sa droite, le modello (terme désignant une esquisse finale en format réduit d’un tableau commandé) du fort célèbre Portrait de Louis XIV en habit royal, peint par Hyacinthe Rigaud, en 1701, et qui se trouve au Musée du Louvre. Récemment acquis par le musée montréalais, ce modello est accroché sur le panneau différent, en retrait vers l’arrière du portrait de Napoléon. Ces quelques centimètres de profondeur, en soi tout un abîme, ont une portée symbolique immense qui dépasse de loin la distance d’un siècle qui sépare leur création respective. D’un tableau à l’autre, mes yeux scrutaient la moindre trace d’une différence. Dans le portrait de Louis XIV, peint moins de quinze ans avant son trépas à l’âge de 72 ans, le visage vieilli et sûrement peu en santé du roi me semble n’exprimer qu’un air souffreteux mêlé à un souverain mépris. Au-delà des traits de sa personne, ce qui ressort le plus de ce tableau est la fonction presque millénaire de roi de France.

Par contre, dans le portrait nettement plus grand de Napoléon, peint peu de temps après s’être couronné « empereur » le 2 décembre 1804, le visage me semble impénétrable. Tout au plus se manifeste une preuve de jeunesse et de force. Son visage semble étranger au reste du tableau, au costume de sacre et au mobilier. Rien d’étonnant en cela, puisque Napoléon, ayant mieux à faire, ne posait jamais et laissait à ses artistes le soin de peindre son visage de mémoire. Cette imprécision sur le faciès, si on le compare avec celui du roi, accentue mon impression d’un être dépourvu d’une ascendance marquante, d’un homme qui, seul, s’est hissé au pouvoir.

Mais la véritable révélation, je la trouvai dans les portraits mêmes : dans celui du roi, l’incommode costume d’apparat, le tissu intérieur est blanc, celui du dehors bleu, sur lequel sont cousu des fleurs de lys. Dans le portrait de l’empereur, le dehors est en rouge avec des abeilles. Toute une part de la propagande du régime impérial m’était ainsi révélée. Chaque élément de ces portraits de l’empereur comportait une dimension symbolique et répondait à des impératifs politiques, celui d’asseoir son pouvoir despotique en manque de légitimité. À commencer par la couleur rouge pour se démarquer du bleu royal; et de l’abeille en opposition au lys, de l’abeille productive, symbole de l’ascension de la bourgeoisie, contre le lys ancestral, symbole depuis toujours de la royauté. Maintenant, je m’explique la surabondance du tapis rouge dans le simulacre de salle du trône surtout, presque au point de nous aveugler…

Tout — portrait, meuble, vaisselle, vêtement — devient hymne à la gloire de Napoléon. J’ignore si le narcissisme de l’empereur explique son insistance à célébrer en tout lieu sa personne. Mais ce qui m’apparaît évident, c’est qu’il se servait de toute chose, comme de toute personne, pour élargir son pouvoir. À preuve, le mécréant Bonaparte signant avec le pape un concordat qui restitue les privilèges de l’Église de France en échange de l’appui de celle-ci à son régime. Ou encore, désireux de se donner un héritier, Bonaparte répudia Joséphine, son épouse restée infertile, pour marier une princesse autrichienne et future mère de son fils, l’infortuné « Aiglon ». Une alliance tant politique que personnelle.

Asseoir son pouvoir despotique à tout prix! L’exposition au Musée des beaux-arts de Montréal souligne la contribution des artistes et artisans à la propagande du régime. Sont partout reproduits, dans les objets exposés, les effigies de l'empereur, ses symboles, ses armoiries, ses insignes. Ces derniers ont si bien servi leur monarque, que je crois entendre le discours silencieux des objets de la tablée impériale :  « Écoutez, vous qui venez chez moi, buvez de mon gobelet, mangez de ma fourchette, car Je suis le Maître de la France, le Conquérant de l’Europe. »

En contrepoint avec les autres salles, consacrées à l’art et à la vie de cour au palais impérial au sommet de la gloire de Napoléon, la fin du parcours de l’exposition abouti à une salle aux airs de chambre mortuaire, dédiée à sa chute et à son exil définitif vers une île perdue de l’Atlantique.

Denzil O. Ibbetson (1785-1857), Napoléon sur son lit de mort, 1821, huile sur toile. Genève, Collection Comte et Comtesse Charles-André Colonna Walewski, en prêt à long terme au Musée des beaux-arts de Montréal. Photo Thierry Genand.

Cet étonnant portrait de l’empereur sur son lit mort est placé seul au mur donnant sur la sortie. La lumière tamisée de la salle, où le visiteur entend en boucle le triste Adagio de la Sonate pour piano # 31, de Beethoven, que Bonaparte a grandement déçu, permet la projection tout autour de ce tableau des vagues de l’océan, à la fois renvoi à son lieu d’exil et métaphore de l’infini. 

Je suis donc sorti par là où je suis entré, en descendant, non sans vertige, l’escalier majestueux au tapis rouge. Ce tapis rouge qui maintenant prend la valeur d’un fleuve de sang dont Napoléon fut coupable. Et je me suis demandé ce qu’il faut retenir de ce personnage qui entre dans l’histoire, le 9 novembre 1799, au lendemain d’un coup d’État au sein du pouvoir révolutionnaire, au poste de « Premier consul ». Un titre qui s’inspire de la Rome antique, comme celui plus tard d’ « Empereur des Français ». Hélas, Napoléon n’a pas cru bon de devenir un Auguste, ce premier empereur romain pour qui les objectifs primordiaux demeuraient la consolidation de l’Empire et sa pérennité. Non, Bonaparte, avec ses campagnes militaires et ses conquêtes, rêvait plutôt de rivaliser avec Jules César. Pour le malheur des Français et de l’Europe tout entière!




27 mars, 2018

Retour et détour des mots


Le 21 février dernier, j’assistais à une discussion informelle autour du thème « L’art et la politique », au centre de documentation en art contemporain, Artexte, situé en plein Quartier des spectacles de Montréal. J'avoue avoir hésité à m’y rendre, car je craignais que l’aîné que je suis ne se trouve peu à sa place au sein d’une assistance majoritairement composée de milléniaux. La discussion s’est déroulée de façon spontanée, c’est-à-dire sans que l’on approfondisse la question des rapports entre l’art et la politique. Il faut bien l’avouer, ce genre de rencontre où chacun y va de son opinion s’avère rarement propice à un vrai débat, où, dans le but de faire avancer la réflexion d’un auditoire, les tenants de positions opposées, fruits d’étude et de raisonnement, s’affrontent dans le choc des arguments. Hélas!, sauf ci et là dans quelques îlots de pensée, notre culture paresseuse et encline au consensus impose partout, ces « conversations », selon le sens que ce mot prend maintenant dans la langue anglaise.

Mon intervention au cours de la soirée ne visait qu’à conseiller la prudence sur cette question, car pour se maintenir comme véhicule d’expression de notre subjectivité, l’Art doit se garder d’embrasser de trop près la politique. Ces remarques m’ont valu d’être gentiment traité de « privilégié » de la part d’une jeune femme. Cette épithète est moins vexante, j’en conviens, que celle de « bourgeois », une insulte facile qui tenait lieu de repoussoir pour les avant-gardes dites historiques. Je n’ai pas eu le temps de lui répliquer qu’à l’aune de la misère qui sévit sur la planète, nous étions tous des « privilégiés » dans cette salle, qu’une autre femme me rappelait que les « victimes d’oppression » n’ont guère le loisir de jouir de l’Art… Cependant, l’objection, qui m’a mis sur la défensive, a été proférée de manière lapidaire par un jeune homme avec cette phrase terrible : « Tout est politique! ».

Étrange destin de ces mots d’ordre d’une autre époque qui reviennent nous hanter malgré un contexte politique ou culturel différent. J’ignore quel peut être le sens précis du mot « politique » pour mon contradicteur, mais je doute qu’il la conçoive comme moi il y a 35 ou 40 ans. Probablement dans un sens plus identitaire comme c’est aujourd’hui la mode.

Moi, dans ce passé déjà lointain, je n’aurais pas hésité à lancer un tonitruant : « Tout est politique! » au cours d’une réunion. Sous l’emprise du marxisme à l’époque, ma posture intellectuelle semblait se justifier par mes engagements, simultanément la cause nationale et la lutte des classes, et ensuite, ce qui siphonnera longtemps mes énergies, la libération gaie. À tout moment, l’idéologie marxiste venait me rappeler mon devoir politique de subordonner ma personne insignifiante à l’une ou l’autre de ces glorieuses entreprises collectives… Plusieurs décennies m’ont été nécessaires pour m’affranchir de cette morale marxiste. D’abord, avec l’aide d’un puissant purgatif nommé Nietzsche ; après quoi, le « souci de soi » venait à ma rescousse.

En passant, il convient d’être méfiant de ces mots d’apparence si simples, tels ART, POLITIQUE, comme tant d’autres de notre vocabulaire usuel. Pour reprendre un terme tiré de l’informatique, ils nous servent d’agrégateurs de phénomènes, ou, plus précisément, d’agrégateurs de représentations de phénomènes.  Les phénomènes sont, comme nos représentations de ceux-ci, en constante mutation.

D’ailleurs, ce « Tout est politique! », n’est même pas une affirmation marxiste; croyez-moi, j’ai assez pataugé dans ce marécage théorique pour le savoir. Non pour le marxisme, ce sont les « rapports de production » qui déterminent le reste des activités sociales et le système politique. Le principal problème réside dans ce « TOUT » qui se voit régir par son prédicat « POLITIQUE ». Quel est son domaine? Sûrement pas la physique ou la biologie. Moins encore, nos conduites sociales, nos émotions, nos sentiments, nos désirs, nos activités sexuelles, nos amitiés. Où s’arrête le tout du politique? Quelles sont les exceptions à sa règle? Nous entrevoyons déjà les brèches de ce « TOUT ». Clairement, l’Art, qui englobe les arts plastiques, les arts de l’image, la littérature et les autres pratiques textuelles, la musique, se loge dans de telles brèches, ce qui lui permet d’échapper à une emprise trop marquée du politique, comme de tout pouvoir fût-il économique.

D’Ailleurs, s’il est un milieu qui devrait rester circonspect devant toute velléité de récupération provenant d’un État, d’une bureaucratie, d’une organisation sociale, d’une entreprise privée, d’un mouvement « identitaire » ou d’une minorité ethnique, c’est bien celui des arts, toutes disciplines confondues. Les arts dans l’histoire ont suffisamment souffert de leur subordination, de gré ou de force, à un pouvoir, à une idéologie ou à une « bonne cause » pour ne pas se montrer méfiants d’instinct.





09 novembre, 2017

L'Espagne : ¿arriba o abajo?


Depuis deux mois, je porte un grand intérêt au déroulement de la crise catalane, qui, plus largement, représente une crise majeure de l’État espagnol. Comme je connais la langue, la lecture des grands quotidiens, notamment Público de Madrid et La Vanguardia de Barcelone, m’a grandement aidé à analyser le contexte politique du pays ibérique. D’autant plus, que je ne suis jamais allé en Espagne. Je reproduis dans ce blogue, à titre d’archive, le courriel que j’ai envoyé au professeur d’histoire Javier Segura, qui a publié, le 6 novembre dernier, dans Público, une tribune libre intitulée Nacionalismo español : esa es la cuestión

****

Permítame, señor, que a pesar de ser yo un extranjero que nunca ha visitado su país, opine sobre la crisis actual. Su artículo de hoy en el Público, así como el de otros, especialmente del sociólogo Manuel Castells, me dan a conocer las causas profundas de los acontecimientos del momento. Como quebequense francohablante, que votó «sí» en los referendos de 1980 y 1995, conozco muy bien el conjunto de problemas que presenta la cuestión nacional para cualquier territorio de un estado democrático, sea una federación como es el caso de Canadá o de un estado unitario como es el caso de España.

Pero cada entidad estatal tiene sus particularidades. Una crisis, a pesar de las tensiones o, desgraciadamente, de la violencia, nos muestra la sociedad al desnudo, por así decirlo. En el caso de España, a mí me parece que han vivido las asuntos pendientes del posfranquismo. Ahora, la tarjeta de crédito está rebasada. Eso no es una simple figura retórica. Hace décadas que el resto del mundo mira a España con agrado para ver cómo una dictadura puede convertirse en una democracia. Hoy en día, tristemente, vemos algo antes escondido: que la transición de 1975 a 1978 no fue una reconciliación sino un olvido oportunista, a mano de los tecnócratas del régimen y del sector económico, para prosperar en un mundo ya cambiado. También un «compromiso histórico» con los socialistas, que le pagan con su apoyo a una monarquía ya ampliamente rechazada en el 1931. Bueno, a mí me parece, que con lo ocurrido en Cataluña y en el resto de España, la constitución del 78 carece no solo de legitimidad sino también de legalidad. Ello explica que lo que Rajoy y el PP, con sus cómplices, están tratando de hacer es algo así como una «dictablanda democrática». Un descontrol neofranquista. Para mí, lo más sorprendente en todo esto, ha sido la traición del PSOE.

Le agradecería que me corrija, si no acierto en mi análisis. Seguiré pendiente de lo que suceda, esperando que la violencia no sea participante del futuro.

Queda de usted, 
Atentamente,
Marcel Pleau
Montreal 

29 août, 2017

L’impasse

Au sortir du musée, où j’étais allé voir l’exposition d’un « artiste de renommée internationale », je ne cessais de me répéter, tel un mantra, cette impression qui me hante depuis quelque temps déjà : l’art contemporain se trouve dans une impasse. 

Si j’avais eu ce jour-là à me commettre en rédigeant un texte aux sonorités dignes d’une autre époque, dans le genre : « Décadence et fin prochaine de l’art contemporain », j’aurais immédiatement abandonné cette folle idée, car expliciter, développer, argumenter et défendre pareille thèse dépasseraient largement mes compétences. Je ne suis pas historien, ni théoricien, ni commissaire, ni artiste, ni un peintre du dimanche, moins encore un collectionneur par manque d’argent et d’intérêt. Pas même un « amateur » qui manifeste sa passion pour l’art. Et si la trentaine d’articles que j’ai publiés sur l’art depuis 1992, principalement des comptes-rendus d’expositions, m’ont permis d’acquérir une connaissance de nombreuses œuvres, cela ne permet aucunement de m’affubler du titre de critique d’art. Cette énumération de métiers ou activités que je n’exerce pas n’a d’autre objectif que situer clairement mes propos au dehors de toute discipline scientifique ou de pratique artistique.

L’art contemporain se trouve dans une impasse : voilà une impression tenace chez moi, comme à la sortie de ce musée, qui arbore fièrement à son fronton les mots art contemporain, comme devant cette exposition d’un « artiste de renommée internationale ». Identifier le musée, nommer l’artiste, décrire ses œuvres, cela ne contribuerait rien à ma réflexion. Il ne s’agit pas de regarder du bas vers le haut cette vaste scène où, en permanence, artistes et musées, productions et lieux d’expositions, à tout moment et partout, nous en mettent plein la vue. Non, je veux planer en quelque sorte au-dessus de ce spectacle en continu pour en saisir la portée et les impacts sur ce « spectateur avisé », que je crois être.

Hélas! À quel saint se vouer quand on aborde l’art contemporain, voire l’art tout court? Même un lecteur efficace et passionné se noierait rapidement dans l’océan de textes : livres, articles de revue et de journaux, écrits divers dans les blogues et autres sites, dossiers de presse promotionnels des commissaires ou des galeristes, qui, dans une langue abstraite, les saupoudrent de citations d’autorité ou plus simplement par du name dropping. À cette production textuelle s’ajoutent les innombrables vidéos sur le sujet. Devant ce raz de marée, on regrette la disparition de nos jours de la critique d’art comme genre littéraire, par lequel, au milieu des mots écrits, respire et soupire une personne, ce « spectateur avisé », qui, pour se saisir d’une œuvre, n’hésite pas à se servir dans son collimateur de sa formation, de ses connaissances et préjugés, de ses goûts et dégoûts, d'un talent d’écriture. Un genre littéraire qui offre à l’auteur une certaine marge de liberté pour l’expression subjective. Maintenant prédomine la chronique journalistique, souvent insipide, toute vouée à nous informer, quitte à servir d’annonce publicitaire gratuite. Ou, à l’opposé, le discours érudit sur l’art diffusé par les historiens et les philosophes, tout empêtré de considérations relatives à leur cadre théorique et à de questions méthodologiques.


Pourquoi et surtout comment l’art contemporain se trouve-t-il dans l’impasse? Et une impasse vers quelle issue? Pour répondre à ces questions, je pourrais facilement me satisfaire du point de vue de celui, traditionaliste, conservateur ou réactionnaire, qui manifeste son incompréhension devant les œuvres, les productions ou les projets (les trois mots ne sont pas synonymes) présentés comme de l’art contemporain, voire son hostilité devant toute innovation artistique. Mais cette posture ne me convient guère. Pourquoi se priver de contempler quelques magnifiques spécimens d’art que recèle la prolifération actuelle en renonçant à porter un regard plus perspicace par delà la masse d’objets médiocres? Pourquoi, selon le fameux dicton, jeter le bébé avec l’eau sale? Si j’entends « planer en quelque sorte au-dessus de ce spectacle en continu », ce doit être pour m’attaquer à ce qui pose problème dans l’expression « art contemporain », nommément le vocable contemporain

À l'avenir, je compte agir en spectateur avisé, l’effort critique s’accordant alors une place pour l’expression subjective. Comme devant ce collègue et ami qui me prodiguait, avec justesse, des explications au sujet des œuvres de cet « artiste de renommée internationale », mon embarras n’a su lui répondre que par un seul mot : cet artiste ne me rejoint pas! L’impasse de l’art contemporain ne serait-elle donc pas celle de ne pas mériter de «passer» dans notre expérience esthétique? Du moins dans la mienne.